Ausstellung in den Alten Meistern Dresde auf den Spuren des Caravaggismus

Die Kunst Caravaggios und seiner Nachfolger gibt Rätsel auf. Mit dem Gemälde „Johannes der Täufer“ aus den Kapitolinischen Museen zu Rom hat die Gemäldegalerie Alte Meister ein Werk nach Dresden ausgeliehen, das geradezu beispielhaft für das Geheimnisvolle steht. Nicht nur seine Bilder stellen Besucher und Forscher regelmäßig vor scheinbar unlösbare Fragen. Bereits seine Biographie liest sich wie das Drehbuch eines Filmes von Francis Ford Coppola: 1571 wurde Michelangelo Merisi da Caravaggio in Oberitalien geboren, ging in Mailand zur Lehre, ehe er gen Rom aufbrach, um sich dort einen Namen zu machen. Und es gelingt. In ersten Werken widmet sich Caravaggio dem Wahrsagen, Musizieren, Kartenspielen oder auch ‚nur’ einem Früchtekorb. Während all diese Motive in der nordalpinen Kunst schon länger bestehen, kommen sie in Italien bis dato selten vor. Gelungene Lichtführung: Die Ausstellung der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden erzählt die Geschichte des europäischen Caravaggismus entlang des eigenen Bestandes. Vor dunkelroten Wänden werden die Stücke präsentiert, der Direktor der Alten Meister, Stephan Koja, und die Co-Kuratorin Iris Yvonne Wagner zeichnen für die Organisation und Hängung verantwortlich. Es ist, als ob sich die gelungene Lichtführung der Räume die Ästhetik der Caravaggisten zum Vorbild genommen hätte. Besonderer Höhepunkt der Schau ist das als „Johannes der Täufer“ präsentierte Werk Caravaggios im hinteren Teil des großen Hauptsaals. Mehr noch als in der ständigen Sammlung wird klar, welch erstklassige Sammlung caravaggesker Malerei Dresden besitzt. Der Großteil davon geht auf die intensive Sammeltätigkeit August des Starken und seines Sohnes August III. zurück. Doch es gelang nicht, einen echten Caravaggio nach Dresden zu holen. Indes schmälert dieser Umstand die Qualität der Gemälde in keiner Weise. Im Gegenteil, man kann sie als Ausdruck des künstlerischen Vermächtnisses begreifen, das der Lombarde nachfolgenden Künstlern hinterlassen hat. Dramatisches Hell-Dunkel: Vielfach beeindrucken die Gemälde in ihrem dramatischen Hell-Dunkel und ihren Halbfiguren. Ihre Themen spielen sich zwischen Sakralem und Profanem ab. Sie behandeln Laster und Betrug ebenso wie Liebe und die Sehnsucht nach dem Göttlichen. Ihren thematisch-chronologischen Ausgangspunkt nimmt die Schau bei den Malern der Renaissance. So wird deutlich, dass sich Künstler bereits vor Caravaggio um anspruchsvolle Bildfindungen bemühten. Einerseits verklausulieren sie das Sujet und gestalten es bewusst anspielungsreich und doppelbödig. Andererseits betonen sie menschliche Affekte und wollen Übernatürliches anschaulich vor Augen führen. Veronese gelingt dies meisterhaft in seinem Emmausmahl. Raumgreifende Gesten der Jünger links und rechts bringen ihre Emotionen zum Ausdruck. Mit Christus im Zentrum sitzen die Apostel zu Tisch. Es ist der Moment, in dem die beiden Jünger den Messias als wahrhaft vom Tode Auferstandenen erkennen (Lk 24, 30-31). Zwar kann die Ausstellung keine weiteren Caravaggio-Originale ausstellen, doch laden kleine Reproduktionen zum vergleichenden Studium. Gleichfalls glückt die Ergänzung mit den antiken und barocken Skulpturen. Es wird deutlich, welche Bedeutungen Gesten, Blicke und Vorbilder haben. Welch großartiger, ja ‚gerissener’ Regisseur seiner Szenen Caravaggio ist, macht seine neuartige Bildsprache deutlich. Oft reduziert er die malerischen Mittel und steigert so die Wirkung seines Gemäldes. Nichts soll uns mehr ablenken. Die Figuren werden eng vom Rand umschlossen, der Hintergrund mit dunklen Farben anonymisiert und dadurch der Bildraum für den Betrachter verunklärt. Doch nicht nur hier entspricht Caravaggio den Konventionen nicht. Wiederholt wurden Auftragswerke zurückgegeben. Die Maler scheuten sich nicht, das Leben so zu zeigen, wie es ist. Bis 1606 arbeitete Caravaggio in der Ewigen Stadt, schaffte unzählige radikal anders anmutende Gemälde. Seine Biographen charakterisieren Caravaggio als stolzen, gar arroganten Künstler. Er verhält sich provokant und beleidigend und liefert sich Schlägereien. Als er 1606 mit weiteren Männern in Streit gerät, bereitet er dem Leben seines Gegners Ranuccio Tommasoni ein jähes Ende. Wegen Mordes angeklagt, flieht Caravaggio aus Rom. Nächster Halt: Neapel, Malta, Sizilien. 1610 schließlich möchte er aus dem Exil nach Rom zurückkehren und begnadigt werden. Dazu kommt es jedoch nicht Am 18. Juli 1610 verstirbt er in Porto Ercole. Anders als wir heute vermuten würden, fügt sich sein Verhalten in eine Zeit schroffer Umgangsformen. Unabhängig seines querulanten Verhaltens hatten Caravaggios Bildschöpfungen großen Einfluss auf die kommenden Künstlergenerationen. Wie weitläufig seine Ideen in Europa Anklang gefunden haben, wird klar, wenn man sich die Nationalitäten der in der Ausstellung gewürdigten Künstler ansieht. Kunst der Verwirrung: Die Malerei Caravaggios und seiner Nachfolger ist eine Diesseitsbehauptung. Licht und Dunkelheit gehören unserer Welt und unserer Zeit an. Die Gewänder der Figuren entstammen dem 17. Jahrhundert. Allesamt favorisierten sie eine Ästhetik, die mit den Konventionen bricht. So werden etwa schmutzige Fußsohlen Betender nicht geschönt. Dunkel und mystisch erscheinen die Hintergründe der Gemälde die „Falschspieler“ oder die „Wachstube“. Die Protagonisten sind ganz im Hier und Jetzt, sie würfeln, spielen Karten und betrügen, um sich einen Vorteil zu verschaffen. Aber Vorsicht: Dinge sind nicht immer wie sie auf den ersten Blick erscheinen. Das Gemälde „Johannes der Täufer“ zeigt einen nackten Knaben, wie er merkwürdig sitzend einen Widder umarmt. Unverhohlen schaut er in unsere Richtung und lächelt uns an. Woran aber liegt es nun, dass das Gemälde für solche Furore sorgt? Bereits Parmigianino hat es in seinem Gemälde verstanden, zwei Lesarten zugleich zu ermöglichen: Haben wir es mit der Madonna und dem Christuskind oder aber mit Venus und Amor zu tun? So besteht auch Caravaggios Kunst darin, uns zu verwirren. Handelt es sich bei dem Dargestellten um Johannes, Isaak oder einen antiken Hirtenjungen? Für alle unterschiedlichen Deutungen wurden in der Forschung überzeugende Argumente vorgebracht. Seine Bezeichnung als „Johannes“ belegen vielfach Quellen seit dem 17. Jahrhundert. Allerdings gehört zur Ikonographie des Täufers kein Widder, sondern ein Schaf. Neben dem Fehlen weiterer tradierter Symbole wie Kreuzesstab und „Ecce agnus dei“-Banderole erscheint auch die provokant inszenierte Nacktheit des Jungen nicht angemessen. Sein Lächeln bleibt mysteriös. Großartige malerische Qualität: Abraham soll auf Geheiß Gottes seinen Sohn Issak opfern. Als dieser im letzten Moment durch einen Engel gerettet werden kann, opfert der Vater einen Widder an seines Sohnes statt. So ist es auch durchaus möglich, dass Caravaggio den Moment kurz nach der Errettung dargestellt hat. Der Junge, der vom Tode verschont wurde, freut sich nun über das Opfertier. Ganz unabhängig der schwer zu lösenden Deutungsaufgabe, bereitet die großartige malerische Qualität Sehvergnügen. Und schließlich kann es ebenso Freude bereiten, sich dem Rätsel zu stellen und die verschiedenen Identifikationsvarianten durchzuspielen. Caravaggio inszeniert eine mögliche Vieldeutigkeit, deren Zweck im Spiel mit den Gedanken seiner Betrachter bestehen könnte. Somit wäre es jetzt an uns, den Galeriebesuchern, das gestellte Rätsel zu lösen versuchen. Eben dies haben sich viele seiner Nachfolger zu Nutzen gemacht. Angesichts der vielen Deutungsversuche dürfte sich Caravaggio über all die Interpretationsanstrengungen köstlich amüsieren. Bedeutet der Name Isaak nicht eigentlich der Lachende? Schon zu Lebzeiten lässt sich Michelangelo Merisi nur mit seiner Herkunftsbezeichnung, „da Caravaggio“, einem kleinen Dorf in Oberitalien rufen. Sein Einfluss, sein Lebensstil und sein Erfolg zeigen, man hätte ihn auch „der Pate“ nennen können. Von Martin Lottermoser